Jeppe Hein (Copenhague, Dinamarca, 1974) es ampliamente reconocido por su producción de obras experimentales e interactivas que combinan arte, arquitectura e invenciones técnicas. Único por su simpleza formal y uso del humor, su trabajo plantea un diálogo vivo con la tradición de la escultura minimalista y el arte conceptual de los setenta.

La artista autodidacta combina un enfoque expresionista abstracto con componentes figurativos e ilustrativos, así como una fuerte dimensión de investigación sobre las relaciones de color. Sin embargo, en los últimos años su cuerpo de obra se ha transformado en dimensiones monumentales, instalaciones escultóricas de textiles teñidos con técnicas ancestrales mexicanos.

El dúo artístico compuesto por María Fernanda Camarena y Gabriel Rosas Alemán, surgió de manera accidental en plena pandemia, entablando un diálogo para de formas para contar una historia mediante un lenguaje compartido.

Entender la arquitectura como búsqueda de las reminiscencias del origen del ser humano en nuestras técnicas, pensar en la arquitectura desde la búsqueda del refugio humano, y entenderla como un lazo espacial entre la naturaleza y las especies que la habitan son algunas de las ideas que desarrolla el quehacer de Javier Senosiain.

Sus fotografías son vanitas contemporáneas de naturaleza muerta, que retratan la decadencia de lo mundano recordándonos lo efímero de la vida, pero también, acerca de la parte repugnante de la carne, secreciones y fluidos humanos. Hay algo extremadamente aversivo, pero tan estéticamente hermoso en sus fotografías; los colores brillantes, las ricas texturas y los cuerpos brillantes que literalmente están explotando ante nuestros ojos.

Al Freeman (nacido en 1981, Toronto, Canadá) realiza esculturas blandas a gran escala que representan objetos cotidianos que los convierte en materiales maleables y táctiles. A partir de imágenes obtenidas del internet, la artista radicada en Nueva York, deconstruye artísticamente artefactos a menudo codificados por los hombres, encontrando una elegancia formal en el detrimento de la vida cotidiana.

Bloob nació como un proyecto de experimentación personal que creaba para usar ella misma, pero a la gente le gustó tanto que la decidió crear una marca de anillos, aretes y pulseras moldeados a mano. Sus anillos y pulseras, que parecieran estar hechas de plastilina o boligoma, acompañan y complementan los dedos con su estridente paleta de colores decorando con alegría nuestras manos, evocando la diversión de nuestra infancia.

Por Sheilla Cohen. Los ensayos fotográficos de Beatriz Sokol (Ciudad de México, 1989) son en gran medida exploraciones autorreferenciales que parten de inquietudes personales de su vida y de temáticas que le interesan investigar de las convenciones sociales. La fotógrafa mexicana, descubrió en la cámara…

En la historia del arte la mujer ocupa un lugar central, aunque pasivo y sumiso. El cuerpo femenino siempre se ha observado desde la mirada masculina como objeto de deseo y de esta forma, las mujeres han sido reconocidas por su representación como musas y no por su potencial artístico. Asimismo, en la historia del arte, escrita desde la perspectiva hegemónica patriarcal, hay una ausencia grave desde un enfoque de perspectiva de género.

Juan Pablo Vidal propone ciertos mecanismos de seducción al moldear un universo, en el cual, las cosas no son necesariamente lo que aparentan ser. Por medio del azar, el juego, la intuición y la improvisación, crea esculturas que hacen referencia a objetos cotidianos que reflejan la cultura de consumo de la que somos esclavos.

Se trata de una de las exposiciones colectivas más ambiciosas del año que revisa y articula el trabajo de un grupo heterogéneo y multicultural de más de cuarenta artistas que trabajan individual y colectivamente en el país, que muestran a través de diferentes medios y discursos, visiones alternas sobre lo que significa hacer arte para y desde la Ciudad de México.

Tatiana Camacho es una artista que utiliza el medio fotográfico para capturar imágenes del desnudo y su relación con la naturaleza. La feminidad esencial en esta serie de imágenes se presenta más allá de representar el cuerpo y el paisaje. Se descubre como un lugar idílico, un lugar al que anhelamos volver

Después del éxito que obtuvo en su primera edición FAIN (Feria de Arte Independiente) celebrará su segunda edición en una modalidad novedosa y más cercana a la esencia del proyecto. En esta ocasión se podrán visitar 11 estudios de 29 artistas seleccionados. De tal manera, ésta edición ofrece tener una experiencia más íntima con los artistas en sus estudios, pudiéndose adentrarse a su universo creativo.

Vidertimentos es un ejercicio pictórico y una visitación íntima de la pintura a la fotografía. Este juego visual parte de sus vínculos personales, emocionales y estéticos para disfrutar, intervenir y reinterpretar a sus amigos de la lente que nos invita a los espectadores a hacer una lectura interdisciplinaria.

El pintor, escultor y poeta, Yuri Zatarain (Mazatlán, Sinaloa, 1972), hace uso de sus habilidades artísticas para plasmar una de las emociones más abstractas y complejas del ser humano: el amor.

SANGREE presenta su primera exposición en a galería PEANA, la cual nos invita a explorar una nueva faceta material del colectivo: la cerámica.

A sus veinticinco años, la artista plástica, co-fundadora y curadora de Casa Pixan, nos ha demostrado como el arte tiene la capacidad de sanar las heridas más profundas del pasado.

Este pequeño libro de cabecera es una recopilación de aforismos y reflexiones filosóficas acerca del sentido vida, el transcurrir del tiempo, la función del quehacer artístico y su aportación a la sociedad.

La exposición virtual y en formato 3D explora la homología entre el gesto humano y digital, mediante la participación del usuario/espectador y la app como un dispositivo performático.

La obra del artista regiomontano se caracteriza por construir proyectos multidisciplinarios en donde procesos pictóricos se mezclan con estrategias de gestión cultural para producir momentos y dispositivos que nos permiten dialogar sobre las imágenes que nos rodean; pinturas que no son pinturas, textos performáticos, libreros, esculturas, maratones de entrevistas, frases que se abstraen para convertirse en murales de bolsillo o unas bancas que permiten llevar acabo una jornada de análisis y diálogo compartido.

La primera muestra del artista coahuilense en ésta institución privada, el espacio museístico se convierte en su estudio del artista desdibujando la fronteras entre lo personal y lo profesional, lo público y lo privado, revelando así los proceso y modos de producción ante el espectador por medio de cuatro cámaras de vigilancia.

En esta exposición virtual, Floria González (1980, Monterrey) hace una reflexión acerca de la desinformación y saturación mediática en la que vivimos inmersos en este mundo globalizado; mediante diversos lenguajes como la fotografía, el video, la instalación, la pintura o el performance.

Daniel Allen Cohen (1980, Los Ángeles) es un artista emergente cuya obra se caracteriza por ser una crítica provocativamente audaz sobre lo hábitos de consumo de la sociedad contemporánea.

La obra de Felipe Pantone es como un imán que te atrapa inmediatamente, quizás sea por los colores estridentes que emplea o por la manera en la que juega con nuestra percepción.

Considerado como una de las figuras centrales del arte conceptual, Lawrence Weiner, se caracteriza por emplear el lenguaje y la tipografía para hacer frases simples, humorísticas, y algunas veces, tienen connotaciones políticas.

El arte hace preguntas, no da respuestas. ¿Cómo puede una reconocida galería como kurimanzutto re-imaginarse después de dos décadas de existencia? ¿Cómo pueden proponer una nueva forma de experimentar el tiempo? ¿Qué lugar ocupa la galería en el mundo, el país y dentro de cada una de las comunidades a las que pertenece? ¿Qué permea su entorno y qué dará forma a su futuro?

El artista multidisciplinario explora estas teorías mitológicas creando narrativas visuales, utilizando el batik como su medio, una técnica ancestral que consiste en teñir con cera de colores las telas para elaborar diseños y patrones.

La obra del artista italiano, considerado el mayor exponente del arte povera, un movimiento artístico surgido en Italia a mediados de los años sesenta que se caracterizó por reciclar materiales sencillos y objetos cotidianos que estaban al alcance de cualquiera para crear obras de arte como una crítica al consumismo producto del capitalismo desbocado.

Rafael Lozano-Hemmer (Ciudad de México, 1947) es un artista conceptual que trabaja con la tecnología para crear instalaciones interactivas.

Archivos, carpetas y libretas de trabajo están cuidadosamente colocadas
en las estanterías de su estudio, en cada una de ellas se puede encontrar el registro de la conceptualización y ejecución de sus obras (Culiacán, Sinaloa, 1985). A diferencia de otros artistas, él no busca producir un nuevo
objeto o imagen, sino ofrecer otro sentido para los que ya existen, a partir de una cíclica y rigurosa disciplina de producción.

Richard Long ha sido reconocido mundialmente por ser uno de los pioneros del movimiento de Land Art. Su sello distintivo como artista conceptual consiste en dejar el rastro de sus caminatas con materiales orgánicos tomados de la naturaleza como piedras, barro, rocas y otros para icrearnstalaciones in-situ principalmente en espacios exteriores.

Siendo una de las plataformas nómadas más singulares y exclusivas dedicada a exaltar el diseño realizado principalmente en México. MASA galería presenta su segunda exposición,.

La obra de José Dávila se caracteriza por crear sistemas estructurales de dependencia, esculturas monumentales compuestas por materiales industriales pesados en contraposición con objetos livianos como una manzana de bronce o un globo suspendidos en el aire como si fuera una balanza de pesos buscando asegurar un cierto grado de equilibrio y permanencia.

Originalmente el lugar fundado en 1791, fue uno de los complejos hospitalarios más grandes y antiguos de América, hasta que fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1997 y convertido en el Museo Cabañas.

La empresa familiar, fundada en 1951 por Noe Suro Olivares, originalmente era un taller ubicado en Tlaquepaque, Jalisco, México. Posteriormente, se expandió a medida que las demandas de clientes como arquitectos, artistas, chefs y diseñadores de interiores les solicitaron su fabricación artesanal de cerámica para diversos productos decorativos con la más alta calidad y entregados a cualquier parte del mundo.

Fundado hace más de cincuenta años, dirigido por Jaime Ashida, este espacio está dedicado a la producción de gobelinos mediante una método ancestral europeo heredado por el maestro textil austriaco Fritz Riedl, que permite la reproducción de todo tipo de imágenes, desde fotografías hasta pinturas abstractas o acuarelas, con la mayor fidelidad y precisión en comparación con otras técnicas textiles artesanales.

Uno de los últimos grupos de personas preocupadas por la producción de conceptos alternativos y nuevas formas de ver es quizás el de los artistas; individuos que se esfuerzan por subvertir el orden de las cosas con el fin de crear nuevos significados para transformar no solo nuestra relación con los objetos, sino también, nuestro percepción de la realidad y así lograr una especie de poesía.

Este espacio esta enfocado a la investigación, producción y exhibición del arte contemporáneo de los trabajos realizados en los talleres permanentes y de los artistas en residencia.

Desde hace casi tres décadas, la obra de Yoshua Okón (Ciudad de México, 1970) se ha caracterizado por tocar fibras sensibles abordando problemáticas políticas y sociales como el cambio climático, la desigualdad económica, la migración, el consumismo y la violencia con la intención de generar una reflexión crítica acerca de asuntos que acontecen en nuestro entorno.

A tan solo un año de haberse fundado, Artlatinou se ha con- vertido en la primera plataforma de e-commerce con sede en la Ciudad de México que promueve el coleccionismo de arte latinoamericano online.

kino es el nuevo espacio de arte independiente ubicado en la terraza del Cine Tonalá . Esta atípica galería ofrece infinitas posibilidades para intervenirlo presentando arte de acción como performances y proyecciones audiovisuales, así como también, instalaciones de sitio específico.

Studio Block M74 es un proyecto comunitario ­–no lucrativo– creado por escultores, para escultores con el fin de construir una red de conocimiento, ayuda y retroalimentación tanto teórica como práctica, y al mismo tiempo, impulsar el acercamiento del público a la escultura contemporánea.

Por Sheilla Cohen. El arte contemporáneo, sobre todo el conceptual, está hecho para manifestar una idea o crítica. Las piezas requieren una explicación; necesitan ser pensadas y procesadas por el espectador. Asimismo, existen múltiples capas de apreciación estética. Hay espectadores a los que solo les interesa darle una lectura superficial; otros se interesan más por la ejecución, la producción y el…

A pesar de contar con un espacio propio en Zapopan, Jalisco, Guadalajara 90210 prefiere considerarse una galería nómada que se caracteriza por apropiarse de espacios abandonados que están a punto de ser demolidos o en plena construcción, para hacer exposiciones colectivas de arte contemporáneo underground de manera temporal.

MASA es una plataforma que se dedica exclusivamente a potenciar la difusión y, al mismo tiempo, promover el coleccionismo del diseño contemporáneo mexicano.

El Centro Cultural Roberto Cantoral es un espacio de entretenimiento ubicado al sur de la Ciudad de México, diseñado por el arquitecto mexicano Gerardo Broissin (Ciudad de México, 1975) y construido en memoria del legado artístico del músico Roberto Cantoral (Ciudad de México, 1935-2010).

Salón Silicón es un pequeño local cuya propuesta feminista y “queer” ha definido la estética de esta galería gestionada por artistas ubicada en la colonia Escandón,

La reciente exposición de Sofía Cruz Rocha en la Galería Enrique Guerrero, no solo aborda su inquietud por descifrar el significado oculto que hay detrás de las palabras y los números, sino también, es una invitación para que el espectador emprenda un viaje hacia su interior para indagar en el ser y así poder encontrar las respuestas del origen de su existencia y el lugar que ocupa en el mundo que habita.

La mirada nostálgica de la fotógrafa apela a otra época y pretende rescatar espacios, lugares y objetos que pertenecieron a otro tiempo, ruinas del pasado que todavía existen en el presente, con la finalidad de preservarlos en nuestra memoria, evocando el recuerdo en la persona que observa su obra.

El Jardín de Galileo es una exposición colectiva en la que cincuenta artistas se apropian de una casona antigua para intervenirla y fusionar el arte contemporáneo con la arquitectura.