Por Sheilla Cohen.
A pesar de no tener una formación académica como artista, esto no representa ningún obstáculo para Juan Pablo Vidal (1989, Ciudad de México). Así como la pasión y perseverancia que tiene con su práctica artística, no solo le ha permitido tener la libertad creativa de probar y experimentar con todo clase de materiales y sus infinitas posibilidades hasta llevarlos al límite, sino también, a materializar sus excéntricos inventos y de esa manera romper o seguir las reglas del juego del arte contemporáneo de acuerdo a su conveniencia.
Quizás por ese motivo resulta imposible encasillar la obra de este artista autodidacta, porque refleja una pluralidad de estilos, que algunas veces resultan contradictorios, pero no se debe a una falta de un lenguaje propio, sino más bien, a una decisión de no mostrar una sola tendencia, impulsada por una necesidad de salir de esa zona de confort y de preferir mejor estar constantemente innovando en el uso y el redescubrimiento de nuevos materiales.
Juan Pablo Vidal propone ciertos mecanismos de seducción al moldear un universo, en el cual, las cosas no son necesariamente lo que aparentan ser. Por medio del azar, el juego, la intuición y la improvisación, crea esculturas que hacen referencia a objetos cotidianos que reflejan la cultura de consumo de la que somos esclavos, y sutilmente evidencian el funcionamiento de la psicología humana y la manera en la que nuestra conducta está siendo manipulada por un sistema capitalista en el cual la publicidad constantemente está determinando cuales serán las próximas tendencias en el arte, la moda, el cine, la música y todo lo que rige nuestras vidas con la promesa de que al consumirlo seremos felices.
En ese sentido, por medio del humor y la ironía como un primer acercamiento con el espectador, su obra no te dará respuestas, sino más bien, generará preguntas, desde el mundo físico hasta las imágenes digitales, siempre cuestionado las diferentes capas de la realidad. ¿Dónde empieza lo real y hasta dónde termina? ¿Cómo lo podemos definir y representar? Son algunos de los planteamientos que proponen sus esculturas experimentales que revelan la atracción de los productos comerciales y su poder de persuasión.
Su obra representa lo que para muchos podría considerarse de “mal gusto” como una irónica apreciación de atracción y repulsión, al crear hipérboles visuales que reproducen objetos de la vida cotidiana y tienen la intención de descontextualizar y desfuncionalizar las cosas adaptando y transformando figuras en obras de arte. Platicamos con Juan Pablo Vidal en su estudio para que nos contará más acerca de su trayectoria artística.
¿De alguna manera se podría decir qué eres un artista audodidacta?
Sí, mi escuela es YouTube. No te creas, no tuve formación académica, pero siempre estoy investigando y experimentando. Me gusta actualizarme, conocer cosas nuevas. Lo que quiero decir es que toda la información está allá afuera al alcance de cualquiera, pero tampoco puedes sacarla de un video porque no está la recta ya hecha de lo que estas buscando específicamente, solo hay que saber buscar.
¿Cuáles son las referencias principales de tu obra y práctica artística?
No puedo decirte solo uno, va cambiando mucho dependiendo del mood en el que estoy en ese momento. En general me gusta mucho la obra de Urs Fischer, creo que esa libertad que tiene en la que todo se ve tan simple a pesar de que su obra sea muy compleja, de cierta forma me gusta su ironía y que siempre se arriesga a hacer cosas diferentes. Sin embargo, una gran referencia que hay en mi obra, sobretodo en la más reciente es un reflejo de la vida cotidiana.
¿Por qué te inclinaste hacia la escultura como tu medio de preferencia?
Fue por curiosidad a lo desconocido. La pintura me gustaba pero era un proceso muy lento, y llegó un momento en dónde me paso lo que a muchos no sabía enfrentarme al lienzo en blanco. Y hasta la fecha estoy igual, nunca sé que quiero hacer ni a dónde quiero ir y creo que por eso me fui más por la escultura, porque se empezó a dar con más facilidad tocar el material y me gustaba el hecho de que puedes quitar, mover, deshacer, construir, etc.
¿Cómo describirías tu proceso creativo y cuáles son las técnicas que utilizas?
Básicamente mi proceso es experimentar y jugar todo el día, trato de cuidar mucho ese tiempo. El 99 % de mi obra no fue planeada, luego salen muchas obras de pláticas y tonterías que se me ocurren y las hago. La mayoría de mi obra es producto del accidente y la improvisación, que estaba haciendo, no funcionó y acaba saliendo otra cosa completamente diferente que si funciona. Con la obra trato de que poco a poco ir retando, probando y viendo que funciona, pero al mismo tiempo, tratando de que la gente entienda por dónde yo quiero ir.
¿Cuáles han sido los mayores retos que has enfrentado para abrirte camino en el mundo del arte principalmente en la Ciudad de México?
Es muy difícil empezar, yo creo que fueros ciertos eventos los que me ayudaron a ir creciendo. Cuando empecé por supuesto que no me iba bien, fueron meses de incertidumbre y llegue a decir: “Tengo que ser honesto conmigo mismo y si no funcionando, pues tendré que dejarlo” Irónicamente el día que empecé a buscar trabajo de otra cosa, me empezó a buscar gente de la nada pidiéndome obra. Fue de esas señales que te dicen sigue intentando.
Abrirte camino es muy difícil pero no puedes esperarte a que te busquen o darte por vencido a la primera, tienes que ser perseverante. Por eso empecé Public Art Projects como una plataforma para impulsar artistas.
Las colores estridentes, elementos pop y los títulos que escoges para nombrar a tus obras reflejan una ironía ante lo absurdo y sinsentido de vida y del mundo del arte contemporáneo. ¿A qué se debe esto?
“Si vivimos en un mundo ridículo, porqué no hacer arte ridículo” es algo que puede definir un poco lo que estoy haciendo, enseñando el día a día tal y como es. No hay nada en este mundo que no esté pensado para que lo consumas. Si ves un anuncio en la calle sabes que detrás hay una agencia pensando en el color, la tipografía, etc. Subconscientemente somos esclavos del marketing lo puedes ver más claro en la moda y la ropa que usamos, y está presente hasta en el arte. Vivimos en la era del FOMO.
En cuanto a lo de los títulos de mis obras es un juego que hago con los espectadores; porque creo que son gran parte de la obra y el cómo lo leas cambia tú forma de ver la imagen. A veces pongo canciones, retos, preguntas, diálogos de película o pensamientos absurdos solo para provocar o causar una reacción.
Algunos de los componentes esenciales en tu obra son el humor sarcástico y el juego representados en objetos cotidianos de la cultura de consumo. ¿Qué reacción buscas despertar en el espectador que está ante tu obra?
El humor y la comedia son herramientas indispensables para mi vida y obra, un comediante no dice cualquier tontería, tienen súper bien estudiado el contexto, la forma y el tiempo en el que lo dicen. Siempre están en la delgada línea entre la risa y lo políticamente incorrecto, es el único lugar en dónde no hay filtro, por eso hay temas que solo puede abordar desde el espacio de la comedia.
No me gusta provocar reacciones adversas en el espectador, aunque si pretendo que reflexionen y les genere curiosidad mi obra, pero prefiero llegar a los espectadores de una manera más amigable y sutil, en ningún momento quiero ser violento ni agresivo.
Toda mi obra tiene un comentario, solo que no es evidente. Por ejemplo; la serie de los papeles arrugados todos tienen textos escritos dentro, pero solo se puede ver el color que lo tapa dejando a la imaginación lo que no se ve.
Además de tu quehacer artístico creaste Public Art Projects. ¿Cómo nació ese proyecto y cuál es su finalidad?
Public Art Projects es un proyecto que surge como necesidad de unificar el trabajo de artistas consolidados dentro del panorama actual del arte contemporáneo y artistas emergentes que buscan profesionalizar su carrera, desarrollando un proceso de investigación en el cual tangible e intangible se vuelven parte de la experiencia del proyecto.
La primera exposición que hiciste para ese proyecto se titulaba Demoler en el cual el único hilo conductor era para la realización de las piezas, fue tener en cuenta que el edificio sería destruido y las piezas realizadas con él. ¿Qué artistas participaron y cuál fue el resultado de esa propuesta expositiva?
Un día me habló un arquitecto que estaba por construir un edificio en la Roma y como la obra empezaba en unos meses, me dijo que si quería utilizarla. Y así fue como se me ocurrió invitar a diferentes artistas para hacer una exposición. Con la ayuda de Marco Esparza y Karla Leyva logramos organizar la primera exposición de Public Art Projects.
La idea era hacer un espacio donde los artistas pudieran hacer lo que quisieran y sin fines de lucro, por el simple hecho de experimentar y divertirse. Todo se dio de manera muy orgánica, les enviábamos la propuesta y muchos artistas venían a ver el lugar y les encantaba.
Aldo Chaparro y Abraham Cruzvillegas fueron piezas claves para la exposición ya que gracias a su apoyo logramos fuera un éxito, fue una cosa de boca a boca y llegó mucha más gente de la que esperábamos. Escribieron muy buenas reseñas, les gustó el formato y eso fue nada más la parte de la inauguración, luego vino la parte de la demolición donde llegaban personas preguntando por la exposición para enterarse de que había sido destruida.
¿Qué significó el hecho de crear obra para un espacio y tiempo determinado sabiendo que iba a destruirse junto con el inmueble?
Al final creo que era una invitación a vivir en el presente y disfrutar cada momento, las cosas no nos están esperando para después. Para mi la obra no se destruyó, simplemente paso a vivir en nuestra memoria, y ahí se quedará, quienes tuvieron la oportunidad de verla ayudaron a salvarla en un recuerdo, sin importar que físicamente ya no estén aquí.
Recientemente abriste un estudio con Aldo Chaparro. ¿Cuál ha sido tu experiencia personal y profesional en Estados Unidos?
El espacio de Los Ángeles nace de la inquietud de ir a ver que estaba pasando, conocer un lugar nuevo y dejarnos ir por la ciudad, con el tiempo se convirtió en nuestro espacio personal para experimentar, no es lugar dónde vaya gente, sino más bien un lugar donde vas a desconectar de todo. Es una ciudad que ha influido mucho mi trabajo, desde mi paleta de colores hasta el tema y material de la obra, es una ciudad que trae otra vibra.
¿De qué manera se diferencia la escena artística de la Ciudad de México a la de Los Ángeles?
Los Ángeles es un lugar espontáneo, todo el mundo vive en ese sueño, es la tierra de las oportunidades. Es otra mentalidad donde el tiempo corre diferente. La escena de arte por lo mismo es más arriesgada, porque los cambios son drásticos. No por nada las galerías más importantes tienen una sucursal allá, tienes todo ese glamour de Hollywood.
La pandemia ha significado un reto para la sobrevivencia de muchos artistas emergentes, aunque para otros sorpresivamente les ha ido relativamente bien en términos de venta. ¿Cuál es tu caso?
Al principio tuve que cerrar el estudio mientras estábamos en la incertidumbre. Cuando vi que la cosa no mejoraba empecé a ponerme a trabajar, pero no había lugares abiertos para comprar materiales estaba todo muerto. Entonces, para mi fue una época de arreglar, limpiar, sacar muchas cosas, remodelar el estudio, etc.
Para pasar el tiempo me puse a experimental con los materiales, los procesos y hacer lo que normalmente no tenía tiempo de hacer; porque nunca teníamos tiempo, y paradójicamente, ahora que lo que más tenemos es eso y no sabemos que hacer. Me recuerda mucho a una obra de Anthony Gormley dice: “podrás encerrar mi cuerpo, pero mi mente siempre será libre”. Antes que podías salir seguramente querías quedarte un día en tu casa a descansar, pero cuando te dicen no puedes salir, te sientes encerrado.
¿En qué proyecto estas trabajando actualmente?
Estoy trabajando en un proyecto grande en L.A. No puedo dar spoilers, pero conseguimos un Blockbuster abandonado donde organizaremos exposiciones. Otro proyecto es retomar la exposición de Perú que se tuvo que suspender por la pandemia y la exposición de las obras del desierto. Y próximamente tengo una residencia próximamente en el Hotel Ganzo.
¿Y nuevo cuerpo de obra?
Siempre estoy produciendo veinte obras a la vez, estoy experimentando mucho con los tapes, cajas de Amazon, desechos, en general todo lo que tenga a mi alcance en la nueva realidad es mi materia prima.
Desde tu experiencia personal, ¿qué consejo le darías a un artista emergente que quiere entrar al mundo del arte?
Aguantar, ser paciente, y confiar en ti. porque tarde o temprano te darás cuenta que el primero que tiene invertir en ti eres tú mismo. Por otro lado, tienes que ser honesto contigo mismo y saber escuchar y recibir la crítica formal de alguien más y saber usarla de manera constructiva. Por último, creo que uno debes de hacer obra para ti mismo. No puedo hacer que a la gente le guste mi obra, lo que sí puedo hacer es compartirla y ver que pasa.
¿Qué has aprendido del fracaso?
Todo lo he aprendido del fracaso, creo que es un consejo que le puedes dar a cualquiera: del error se aprende. Si a alguien no le das la oportunidad de equivocarse, no va a aprender. Muchas veces me ha pasado con obras que he estado trabajando durante meses que algo sale mal y todo se hecha a perder y no hay más que volverla a empezar, igual de ese accidente aprendes mucho y salen cosas nuevas.
¿Qué podemos esperar de Juan Pablo Vidal próximamente?
No soy alguien que piensa mucho a futuro, este año nos ha demostrado que todo puede cambiar en un segundo, prefiero disfrutar el momento. Pero irónicamente pienso hacer todo un branding de mi, así que puede ser que empiecen a ver mi nombre ridículamente en todas partes.
IG. @vidalstudio
DESGARGA LA ENTREVISTA Y CONVIERTE LA PRIMERA IMAGEN EN UNA OBRA DE ARTE
Recorta por la línea la imagen y acude al estudio de Juan Pablo Vidal para que el artista la firme, y se convierta en una obra de arte.
Dirección: Sinaloa 142, int.12 Col. Roma Norte C.P. 06700, Ciudad de México